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26/11/10

Oscar Wilde


"Oscar Wilde- Napoleon Sarony"
Autor: DPMS.
Año: 2004.

(Dublín, 1854 - París, 1900) Escritor británico. Hijo del cirujano William Wills-Wilde y de la escritora Joana Elgee, Oscar Wilde tuvo una infancia tranquila y sin sobresaltos. Estudió en la Portora Royal School de Euniskillen, en el Trinity College de Dublín y, posteriormente, en el Magdalen College de Oxford, centro en el que permaneció entre 1874 y 1878 y en el cual recibió el Premio Newdigate de poesía, que gozaba de gran prestigio en la época.

Oscar Wilde combinó sus estudios universitarios con viajes (en 1877 visitó Italia y Grecia), al tiempo que publicaba en varios periódicos y revistas sus primeros poemas, que fueron reunidos en 1881 en Poemas. Al año siguiente emprendió un viaje a Estados Unidos, donde ofreció una serie de conferencias sobre su teoría acerca de la filosofía estética, que defendía la idea del «arte por el arte» y en la cual sentaba las bases de lo que posteriormente dio en llamarse dandismo.

A su vuelta, Oscar Wilde hizo lo propio en universidades y centros culturales británicos, donde fue excepcionalmente bien recibido. También lo fue en Francia, país que visitó en 1883 y en el cual entabló amistad con Verlaine y otros escritores de la época.

En 1884 contrajo matrimonio con Constance Lloyd, que le dio dos hijos, quienes rechazaron el apellido paterno tras los acontecimientos de 1895. Entre 1887 y 1889 editó una revista femenina, Woman’s World, y en 1888 publicó un libro de cuentos, El príncipe feliz, cuya buena acogida motivó la publicación, en 1891, de varias de sus obras, entre ellas El crimen de lord Arthur Saville.

El éxito de Wilde se basaba en el ingenio punzante y epigramático que derrochaba en sus obras, dedicadas casi siempre a fustigar las hipocresías de sus contemporáneos. Así mismo, se reeditó en libro una novela publicada anteriormente en forma de fascículos, El retrato de Dorian Gray, la única novela de Wilde, cuya autoría le reportó feroces críticas desde sectores puritanos y conservadores debido a su tergiversación del tema de Fausto.

No disminuyó, sin embargo, su popularidad como dramaturgo, que se acrecentó con obras como Salomé (1891), escrita en francés, o La importancia de llamarse Ernesto (1895), obras de diálogos vivos y cargados de ironía. Su éxito, sin embargo, se vio truncado en 1895 cuando el marqués de Queenberry inició una campaña de difamación en periódicos y revistas acusándolo de homosexual. Wilde, por su parte, intentó defenderse con un proceso difamatorio contra Queenberry, aunque sin éxito, pues las pruebas presentadas por este último daban evidencia de hechos que podían ser juzgados a la luz de la Criminal Amendement Act.

El 27 de mayo de 1895 Oscar Wilde fue condenado a dos años de prisión y trabajos forzados. Las numerosas presiones y peticiones de clemencia efectuadas desde sectores progresistas y desde varios de los más importantes círculos literarios europeos no fueron escuchadas y el escritor se vio obligado a cumplir por entero la pena. Enviado a Wandsworth y Reading, donde redactó la posteriormente aclamada Balada de la cárcel de Reading, la sentencia supuso la pérdida de todo aquello que había conseguido durante sus años de gloria.

Recobrada la libertad, cambió de nombre y apellido (adoptó los de Sebastian Melmoth) y emigró a París, donde permaneció hasta su muerte. Sus últimos años de vida se caracterizaron por la fragilidad económica, sus quebrantos de salud, los problemas derivados de su afición a la bebida y un acercamiento de última hora al catolicismo. Sólo póstumamente sus obras volvieron a representarse y a editarse. En 1906, Richard Strauss puso música a su drama Salomé, y con el paso de los años se tradujo a varias lenguas la práctica totalidad de su producción literaria.

Extraído de © Biografías y Vidas, 2004-10.

Carlos Monsiváis


"Carlos Monsiváis"
Autor: Casa de América.
Año: 2007.

(Ciudad de México, 1938 - 2010) Ensayista, cronista y narrador mexicano considerado una de las inteligencias más lúcidas de la cultura de su país. Cursó estudios en la Escuela Nacional de Economía y en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional. Dirigió suplementos culturales en los más importantes diarios y revistas de México y durante mucho tiempo fue asiduo colaborador de múltiples publicaciones periódicas. Con el tiempo llegaría a ser cofundador y director de destacados diarios que ejercerían una gran influencia en el desarrollo del periodismo mexicano. Debe destacarse, por otro lado, su labor como investigador en el Instituto Nacional de Antropología e Historia de México.
 
      Dotado desde muy joven de un vasto bagaje cultural, su humanismo polifacético hizo de Monsiváis uno de los pensadores que mejor supo indagar en los aspectos fundamentales de la sociedad, la política y la cultura mexicanas. Monsiváis cultivó especialmente la crónica y el ensayo, con una temática y un interés estrechamente relacionados con los problemas actuales y comprometidos con las luchas populares de México y América Latina. Su aguda inteligencia se manifiesta a través de una eficaz ironía y de su estilo crítico, festivo y desenfadado.
 
      Sus crónicas periodísticas se recopilaron en numerosos volúmenes: Principios y potestades (1969); Días de guardar (1971), sobre la matanza de estudiantes en la plaza de Tlatelolco el 2 de octubre de 1968; Amor perdido (1976), libro centrado en algunas figuras míticas del cine, la canción popular, el sindicalismo, la militancia de izquierda y la ideología burguesa; Entrada libre (1987), donde recogió sus crónicas sobre la nueva sociedad mexicana; Escenas de pudor y liviandad (1988), que disecciona con humor, acidez y ternura el mundo del espectáculo; Los rituales del caos (1995), donde pinta una panorama desolador, en medio de la debacle de la clase política y la crisis de la democracia; y otras recopilaciones como Sabor a PRI, ¿De qué se ríe el licenciado? y Rostros del cine mexicano.
 
 
      Pero su género predilecto fue el ensayo, en el que trató variados temas relacionados con la cultura mexicana. Destacan entre ellos Características de la cultura nacional (1969); Historias para temblar: 19 de septiembre de 1985 (1988); Aires de familia: cultura y sociedad en América Latina (2000) y Yo te bendigo, vida (2002), sobre la vida y la obra de Amado Nervo. Editó además diversas antologías literarias en las que su puso de relieve su reivindicación de la poesía y la canción popular: La poesía mexicana del siglo XX (1966), La poesía mexicana II, 1914-1979 (1979), La poesía mexicana III (1985), Lo fugitivo permanece. 20 cuentos mexicanos (1990) o Amanecer en el valle del Sinú: antología poética (2006), a partir de la obra del poeta Raúl Gómez Jattin.
 
      Entre sus textos biográficos destaca Frida Kahlo: una vida, una obra (1992). Su única incursión en la narrativa fue el Nuevo catecismo para indios remisos (1982). Recibió entre otros reconocimientos el premio Villaurrutia (1996) y el Anagrama de Ensayo (2000), que le fue concedido en España por su obra Aires de familia: cultura y sociedad en América Latina. En 2006 recibió el premio Juan Rulfo y publicó Imágenes de la tradición viva. Sus últimos títulos fueron Las alusiones perdidas (2007) y El 68, la tradición de la resistencia (2008).
 
Extraído de © Biografías y Vidas, 2004-10.
 

25/11/10

Andy Warhol




Andy Warhol was born Andrew Warhola on August 6, 1928, in a two-room row house apartment at 73 Orr Street in Pittsburgh. His parents, Carpatho-Rusyn immigrants Andrej and Julia Warhola, had three sons. Andy was their youngest.

In the late 1950s, Warhol began to devote more energy to painting. He made his first Pop paintings, which he based on comics and ads, in 1961. The following year marked the beginning of Warhol’s celebrity. He debuted his famous Campbell’s Soup Can series, which caused a sensation in the art world. Shortly thereafter he began a large sequence of movie star portraits, including Marilyn Monroe, Elvis Presley, and Elizabeth Taylor. Warhol also started his series of “death and disaster” paintings at that time.

Warhol was a prolific artist, producing numerous works through the 1970s and 1980s. His paintings, prints, photographs, and drawings from this period include: Mao, Ladies and Gentlemen, Skulls, Hammer and Sickles, Shadows, Guns, Knives, Crosses, Dollar Signs, Zeitgeist, and Camouflage. Warhol’s final two exhibitions were his series of Last Supper paintings, shown in Milan and his Sewn Photos (multiple prints of identical photos sewn together in a grid), exhibited in New York. Both shows opened in January 1987, one month before his death.


Article from:
To read more about him please visit this page: http://www.warhol.org/two_column_list.aspx?id=80&libID=101#ixzz16Mp1QRsg

24/11/10

"O"


"O"
Autor: xrrr.
Año: 2006.

"O" es un espectáculo presentado en el teatro del hotel Bellagio en Las Vegas, NV. Su nombre "O" viene del francés eau, que significa "Agua", y es por eso que el espectáculo se realiza sobre un enorme tanque de agua construído dentro del teatro.

A lo largo del espectáculo se pueden apreciar manifestaciones artísticas como danza y música.

Es un show altamente recomendable para todas aquellas personas que quieran deleitarse con tan magnífico espectáculo.

las 10 esculturas más caras de todos los tiempos

A continuación se enlistan 10 de las más caras esculturas que se hayan vendido en la histora:

1. Alberto Giacometti: "L’Homme qui marche I", 1961
   104.3 millones de dólares (74.1 millones de euros).
    Sotheby's Londres, febrero de 2010.


'L’Homme qui marche I' fue completado en la cumbre de la creatividad de Giacometti, y es una obra de enorme tamaño pero de gran riqueza en el acabado de su superficie. La obra batió el precio record para cualquier obra de arte en subasta.

2. Amedeo Modigliani:"'Tête'", 1910-12.
    59.5 millones de dólares (43.2 millones de euros).
    Christie's Paris, junio de 2010.


Una de las 27 esculturas creadas por el famoso artista italiano (y una de las 10 que permanecen en manos privadas), esta espectacular talla en piedra se convirtió en la obra de arte más cara jamás subastada en Francia.

3. Artista/s desconocido/s: La Leona Guennol, c.3000 a.c.
    57.2 millones de dólares - Sotheby's NY, 5 de diciembre de 2007.

Esta auténtica obra maestra del Arte universal, creada en Mesopotamia hace unos 5,000 años, es además la antigüedad más cara jamás vendida.

4. Alberto Giacometti: "Grande tête mince", 1955.
    53.3 millones de dólares (41 millones de euros).
    Christie's Nueva York, mayo de 2010.
Giacometti es el rey de esta lista. Pero paradójicamente, este gran busto fue vendido en la misma subasta en la que un lienzo de Picasso se subastó por 106.5 millones de dólares, destronando a Giacometti como artista más cotizado.

5. Henri Matisse: "Nu de dos, 4 état (Back IV) ", 1958.
    48.8 millones de dólares (34,6 millones de euros).
    Christie's Nueva York, noviembre de 2010.
Matisse es más conocido por sus brillantes y coloridas pinturas fauvistas, pero también creó esculturas monumentales como ésta.

6. Constantin Brancusi: "Madame LR (Retrato de Mme LR)", c.1914-17
    36.8 millones de dólares (29.2 millones de euros).
    Christie's Paris, 24 de febrero de 2009
Una de las estrellas de la llamada "subasta del siglo", la venta de la colección de arte de Yves Saint Laurent en Paris.

7. Pablo Picasso: "Tete de femme (Dora Maar)", 1941
    29.1 millones de dólares.
   Sotheby's NY, 7 de noviembre del 2007.
 Picasso es un nombre que siempre aparece en cualquier lista de cotización de obras de Arte. Esta pieza superó el record de cotización en subasta de una escultura, hasta entonces en propiedad de una antigüedad romana (ver abajo), pero fue claramente superado por la Leona Guennol un mes después.

8. Artista/s desconocido/s: "Artemisa y el ciervo", siglos I a.c. - I d.c.
    28.6 millones de dólares.
    Sotheby's NY, junio 2007.
Esta bella y bien conservada estatua de bronce era la antigüedad más cara jamás vendida en subasta hasta la venta de la Leona Guennol.

9. Constantini Brancusi: "Pájaro en el espacio", 1922-23.
    27.5 millones de dólares.
    Christie's NY, mayo 2005.
Brancusi es posiblemente el escultor más importante del siglo XX y sus "pájaros en el espacio" figuran entre sus obras más icónicas. Esta estilizada figura rebasó el anterior record de precio pagado por una escultura -también ostentado por Brancusi- en casi 10 millones de dólares.

10. Alberto Giacometti: "Grande Femme debut", 1959/60.
      27.5 millones de dólares.
      Christie's NY, mayo de 2008.
Esta gran escultura de Giacometti fue un encargo para una plaza pública en Manhattan.

theartwolf.com Derechos reservados.

Aquí la liga para consultar el artículo original:

Los 10 discos más vendidos en la historia

En este artículo podemos leer los 10 discos más vendidos en la historia según su autor el periódico "Zócalo Saltillo".

No. 1 “Thriller”, 54 millones de copias en el mundo, 1983. Nadie puede dar una cifra exacta de ventas, sin lugar a dudas es considerado por muchos como el álbum más exitoso de toda la historia.

No.2 “Back in Black”, 42 millones de copias, 1980. Luego de la muerte de Bon Scout, se cuestionó si AC/DC podía volver a alcanzar sus niveles anteriores de éxito.

No.3 “The Eagles, Greatest Hits”, 1976, 41 millones, lanzado en 1976. El primer álbum en alcanzar el disco de platino y hasta la actualidad es el álbum más vendido en los Estados Unidos.

No.4 “Fiebre de Sábado por la Noche", 1978 (banda sonora) 40 millones de copias. Es la banda sonora mejor vendida de todos los tiempos convirtiéndose en la número uno dentro de la categoría Soundtracks.

No.5 El Guardaespaldas (Banda Sonora) 1992, 37 millones. El cover que Whitney Houston hace del tema de Dolly Parton “I Will Always Love You” (Te Amaré Siempre) ayudó a colocar al álbum en este puesto.

No.6 “Meat Loaf - Bat Out Of Hell” (1978), 37 millones de copias. Después de que varias discográficas se negaran a tomar el álbum, Cleveland International Records decidió arriesgarse y financiar su distribución.

No.7 “Pink Floyd - The Dark Side Of The Moon” (1973), 35 millones de copias. Este álbum de Pink Floyd asombrosamente logró quedarse dentro del ranking por 14 semanas consecutivas, hasta 1988.

No.8 “Shania Twain - Come On Over” (1997). El álbum más vendido de la historia por una artista solista femenina (superando a Madonna y Britney Spears).

No.9 “The Beatles - Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” (1967). Considerado por muchos como el álbum de rock más influyente de todos los tiempos.

No.10 “Dirty Dancing, Banda Sonora” (1987), 32 millones de copias en el mundo. El álbum corresponde a una de las bandas de sonido de película más vendidas de la historia.

Los libros más vendidos en la ciudad de México en 2010

           A continuación se presenta un artículo publica en pasado Agosoto 2010 en el periódico "El Economista"  de Méxicon, en el cual se habla sobre los 10 libros más vendidos en la ciudad de México en lo que va del año:

            A diferencia de otras ciudades de habla hispana, en la ciudad de México las historias de vampiros y la novela negra han salido de los primeros lugares de ventas, para dar paso a la novela histórica, enmarcada en las conmemoraciones nacionales venideras. Esto se desprende del listado de libros más vendidos de las principales librerías del Distrito Federal.

            En las librerías Gandhi, El Péndulo, Porrúa, Fondo de Cultura Económica y El Sótano, los lectores han mostrado interés por adquirir las obras consagradas del Nobel portugués José Saramago, quien falleció el 18 de junio de 2010. El fenómeno ocurrió también en España y en Portugal. En cambio, los libros del mexicano Carlos Monsiváis, fallecido el 19 de junio, no han alcanzado ninguna posición entre los más vendidos.

          Las tendencias se mueven de acuerdo a la coyuntura, la oferta y las tendencias mundiales, pero hay textos que no dejan de tener demanda. Tal es el caso de Los de abajo (1916), de Mariano Azuela; El principio del placer (1972), de José Emilio Pacheco, o Aura (1962), de Carlos Fuentes.

Éstos son los libros más vendidos en la ciudad de México:



Para consultar el artículo original les dejamos la liga:
 

23/10/10

Ascenso y caída de los precios del Arte

Muy parecido a lo que ocurrió en la década de los 80, cuando los coleccionistas japoneses tomaron el mundo del arte, la primera década de 2000 está presenciando también récords en los precios de las obras de arte, para las piezas más populares de los artistas famosos.

¿Qué hace que suban los precios?

Aumento en la Liquidez

Los precios del arte a menudo reflejan el aumento del nivel de vida, tal y como ocurrió en los 80 con los accionistas privados y los inversionistas, o como ocurre en la actualidad con los nuevos millonarios rusos, chinos e indios.  

Popularidad de ciertos estilos artísticos

Los precios de algunos estilos o tipos de arte, tienden a incrementarse dependiendo de su popularidad. En la década de 1980, observamos un gran aumento en los precios de las obras Post-Impresionistas, en los 90, el diseño y el mobiliario fueron las piezas más cotizadas y recientemente, lo más perseguido son algunos nombres selectos del arte contemporáneo. De la misma forma, los precios de las obras que no ocupan los puestos más demandados, caen, como ha ocurrido con la pintura del siglo XIX a principios de la década de 2000.

¿Qué causa la caída en los precios del arte?


Son varios los factores que determinan la caída de los precios de las obras de arte, entre ellos:

Recesión

Al contrario de la creencia popular, el arte no está a salvo de las épocas de recesión. En la década de 1990 el colapso de la bolsa y la burbuja inmobiliaria en Tokio condujeron a una explosión en los precios de las obras de arte de la escala más alta.
Relativizando, las piezas valoradas por debajo de 100.000 euros no son susceptibles a sufrir una caída tan acusada en sus precios debido a una mayor diversidad de posibles compradores.

Falta de liquidez

Hay que tener en cuenta que el arte es posiblemente uno de los activos con menor liquidez.  Hablando de manera comparativa, los precios de la bolsa pueden subir en meses o al menos en un par de años, los valores inmobiliarios, pueden tardar un par de años más, pero el arte puede tardar más tiempo. Por ejemplo, los precios que alcanzaron las obras Post-Impresionistas no se han vuelto a ver desde la década de 1980.

Descenso en la popularidad

Incluso aunque la economía marche bien, si un estilo artístico o un artista no atrae  a los inversores principales, es posible que quede fuera de juego. Esto puede suceder con el mobiliario ingles y con Warhol. Esto puede significar que los artistas más "punteros" sen posiblemente los candidatos a este tipo de impacto.

Mitigar los riesgos

Diversificación

No hace falta decir que  no solo los activos deben ser diversificados, sino que se debe diversificar cualquier bien de inversión. Si no eres inversor en arte es recomendable que tus inversiones en arte incluyan diferentes estilos y técnicas.  

Comprar al precio correcto

Como en cualquier tipo de inversión, hay que evitar comprar cuando el producto se encuentra en su punto álgido. Podrías no encontrar otro coleccionista que pagara un precio superior al tuyo en un plazo de 5 años. Si estás comprando en una subasta, estás comprando una pieza de los que se denomina mercado secundario y pagas por tasas financieras a la casa de subastas y al actual propietario de la pieza. Del mismo modo, las piezas adquiridas en ferias de arte  tienen costes asociados que incluyen los costes de participación en la feria, costes de transporte desde los estudios de los artistas a la galería y a la feria de arte, almacenamiento, etc.
Una manera para evitar esto puede ser adquirir las piezas en una galería, lo que entraña menos gastos, o trabajar directamente con el artista o sus herederos.

Asegurar la liquidez

Una de las mayores razones por la que los grandes bancos cierran sus fondos de arte ha sido la falta de liquidez en el mercado artístico.  Este factor se ve ha sido especialmente agravado cuando no eres un banco, sino un coleccionista privado que no tiene una gran colección por valor de millones de euros en la que una casa de subastas pueda estar interesada.
Las piezas con valor igual o inferior a 100.000 euros pueden ser un buen objetivo, puesto que puede haber más compradores para estas obras.

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¿Qué tipo de artistas debería coleccionar?

Lo más importante es que elijas un artista cuya obra te guste. Si vas a comprar una obra de arte y tenerla durante un tiempo en tu casa, lo lógico es que te guste. Los estilos artísticos también están sujetos a modas y tendencias. En el pasado ha sucedido que se observó un descenso en la cotización de Pop Art, por eso ten en cuenta que también podría sucederle a las obras que adquieras.

En cualquier caso, si estás pensando en comprar  piezas que se revaloricen con el tiempo, ten en cuenta algunas reglas generales:

Artistas Famosos:  Las obras de maestros contemporáneos, ya sean del siglo XX como Picasso o Chagall, o contemporáneos,  como Hirst, Hockney o Barceló, son apuestas seguras.  Dado que las los artistas tienen una producción limitada, sus obras tienden a mantener sus precios y generalmente a incrementarlos.

Artistas Establecidos:   Son artistas que tienen una trayectoria que demuestra numerosas exposiciones, y que están labrándose un nombre. Aunque no son muchas las oportunidades que tienen de convertirse en una estrella del arte, sus precios son bastante estables y son muchas las posibilidades de que aumenten con el tiempo, en la mayor parte de los casos. Al contrario que en bolsa, el mercado artístico tiene poca liquidez, por eso PicassoMio.com ofrece Servicio de Reventa, para que nuestros clientes se beneficien de posibles ventas a nuestro millón de visitantes en todo el mundo.

Jóvenes Promesas (Establecidos): 
Estos artistas se consideran prometedores debido a su formación, su talento, las tendencias actuales y tienen potencial para ascender rápidamente. Comparándolos con la bolsa, son como las jóvenes empresas o las empresas de tecnología, no se puede estar seguro de la cotización que alcanzarán en el futuro. Por otro lado, existe la certeza de que el valor de sus obras no caerá.

Artistas Emergentes:  Estos artistas son aquellos cualificados para realizar obras de calidad, especialmente sin han expuesto en alguna galería conocida, como puede ser PicassoMio.  Sin embargo, todavía están empezando en su carrera, y una vez más, la posibilidad de que un artista se convierta en un Maestro Contemporáneo con el paso del tiempo es muy pequeña.

Coleccionar arte es una pasión. Una vez que empiezas, seguirás por este hermoso camino durante bastante tiempo.

 Allan Majotra, PicassoMio.com / PicassoMio Gallery
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Certificado de Autenticidad, la garantía para comprar una Obra de Arte Original

Si eres un amante del arte y quieres adquirir cualquier obra, primero asegúrate de que no es una falsificación. La mejor garantía para adquirir una obra de arte original es la autenticidad.

Además, el certificado de autenticidad representa un valor añadido adicional.

Vamos a repasar algunos de los conceptos incluidos en el Certificado:
El nombre del artista (o nombres, si se trata de más de uno) y el título de la obra, obviamente son fundamentales.

La técnica, y el soporte también deben figurar, así como el tamaño de la pieza. En caso de obra sobre papel, puede especificarse el tamaño del papel y el tamaño de la imagen, por separado, o un único tamaño (generalmente el tamaño de la imagen). En obra gráfica y fotografía, así como en escultura de edición limitada, es imprescindible que figure el tamaño de la edición, pudiendo además especificarse qué numero de edición es el ejemplar concreto adquirido.

La fecha de la obra también es esencial, puesto que un artista puede cambiar de estilo en diferentes épocas de su carrera profesional. Muchos años después de que el artista haya muerto esta documentación permitirá a los historiadores de arte establecer la cronología de su obra.

En un certificado se puede añadir información adicional, como puede ser referencias de la obra, catalogación, etc.

También es importante que figuren los detalles de la galería que expide el certificado, para referencias futuras.

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¿Qué sucede con los precios de las obras de arte cuando un artista de renombre fallece?

El mercado del arte a menudo se rige por las leyes de la oferta y la demanda, según los principios básicos de la economía. Entre otros muchos factores, los precios de las obras de arte generalmente se incrementan tras el fallecimiento del artista.
En el pasado, los precios de las obras de aclamados artistas aumentaban considerablemente y, en algunos casos, inmediatamente se doblaban tras la muerte de su autor. De hecho, en ocasiones, el deteriorado estado de salud de un artista hace que rápidamente se retiren sus obras del mercado, para reintroducirlas poco después de su fallecimiento con precios mucho más elevados.
En años recientes, esta tendencia se ha manifestado en casos de artistas famosos como Helmut Newton (fotografía), Eduardo Chillida (esculturas, grabados, incl. litografías y aguafuertes) o Joan Hernández Pijuan (pinturas, aguafuertes, serigrafías…etc). Con su muerte, el mercado experimentó un incremento de los precios de hasta un 100% en sus obras de arte.
Los inversores y coleccionistas de arte suelen seguir atentamente la edad y salud de las celebridades y tomar sus decisiones sobre inversiones en base a la edad del artista, entre otros factores.

Autores: Allan Majotra y Arian Martin Montaner, PicassoMio.com & PicassoMio Galleries
Fecha: 29 de diciembre de 2005.
Copyright 2005 PicassoMio.com, LLC. Todos los derechos reservados.

¿Dónde puedo comprar arte?

Si estás buscando arte moderno y contemporáneo, antigüedades o artesanía y diseño, tienes un ilimitado número de Fuentes donde elegir.
Te mostramos algunos lugares donde comprar arte.

La mayoría de las ciudades cosmopolitas tienen una amplia selección de galerías entre las que elegir.  De hecho, podrás encontrar galerías especializadas en diferentes nichos del mercado artístico- desde arte antiguo hasta fotografía o pintura, desde arte conceptual a arte abstracto. Podrás encontrar la especializada de una galería visitándola o visitando su website.

El negocio del arte es bastante arriesgado, por eso muchas  galerías tienen una corta vida. Dado que el arte generalmente es un producto costoso, puede ser importante asegurarte de que la galería ha estado operativa desde hace tiempo y de que seguirá estándolo en el futuro.

Galerías de Arte en Internet
Desde la aparición de Internet, hay un gran número de galerías online de arte donde comprar. Las ventajas son claras - puedes elegir entre un número de artistas y obras de arte imposible de imaginar previamente. Sin embargo, podrías echar de menos la experiencia de ver la obra de arte en persona. En este caso, si el website ofrece una garantía de devolución que te hace sentir cómodo, deberías poder ver la obra de arte en persona, en tu casa o en tu trabajo.
Al igual que ocurre con las galerías físicas, es importante asegurarse de que el website tiene credibilidad y que lleva operativa algún tiempo.

Al igual que ocurre con las galerías de arte, las grandes ciudades ofrecen ferias de arte anuales. Algunas ciudades como Nueva York, Londres, París o Madrid tienen ferias de arte especializadas, que cubren diferentes técnicas como la fotografía, la obra gráfica, etc.  Las ferias de arte más relevantes estos días son Art Basel, Art Basel Miami, Freeze, y The Armory Show.

La ventaja de visitar una feria de arte es que te facilitan la posibilidad de agrupar un gran número de galerías de arte  y marchantes. Como resultado, tienes la opción de comprar arte de diferentes partes del mundo.
Las desventajas podrían ser que no tendrás la posibilidad de saber mucho sobre la galería de la que has comprador o del marchante, que podría desaparecer el año siguiente. Además. Las ferias de arte solo duran unos días de modo que no tendrás tiempo para decidir si realmente te gusta la obra o no. En cualquier caso, sera una Buena idea visitar una feria de arte para explorar, aprender sobre los artistas y sus obras  que te interesan y ver si puedes comprar la pieza más tarde.

Las casas de subasta como Sotheby's y Christies son un excelente recurso para comprar piezas antiguas, como obras anteriores al siglo XX.  Dado que las casas de subastas venden piezas que ya han pertenecido a otros propietarios (mercado secundario), los precios de las piezas contemporáneas son generalmente más elevados. Es importante entender cómo trabajan las casas de subasta, para poder hacer una decisión de compra apropiada.

Subastas Online
Unos de los aspectos clave de comprar arte es asegurarse de la autenticidad y los criterios de selección de la casa de subasta online.  Dado que la calidad de las obras expuestas y sus precios deberían ser aprobados por un experto, adquirir arte a través de una casa de subasta online no se adapta a esos criterios.  

Links Recomendados
Antes de empezar tu búsqueda para tu próxima obra de arte te invitamos a explorar y ver una amplia variedad de artistas y obras de arte disponibles:
Directorio de Ferias de Arte


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21/10/10

Back to Basics

Ya que el arte siempre se ha codeado de los más grandes ricos de la Tierra para seguir existiendo sufrió un gran golpe en el año 2008 debido a la gran recesión que surgió. Analistas opinan que el mercado del arte está en la mayor caída desde 1991. Viendose afectados algunos grandes instituciones de arte en E.U.A.

Por ejemplo el "Museo de Arte Metropolitano de Nueva York" tuvo que despedir a 357 empleados; otras galerías comerciales se negaron a pagar los costos de fabricación de sus artistas y otros mandaron a reparar sus viejos marcos de foto de metal para muestras colectivas de inventario de la galería. El legendario distribuidor de mercado de segunda mano en Nueva York, Lawrence Salander, fue acusado en marzo por la venta de las mismas obras de artes varias veces para poder mantener su negocio y lujoso estilo de vida. Esto de muestra de las medidas desesperadas que muchas personas dedicadas al arte tuvieron que tomar para poder sobrevivir.

Pero en realidad pocos negocios de arte han cerrado sus locales.

Algunos en el comercio tratan de ver la crisis como una oportunidad para expandirse, mientras que la gran mayoría han decidido volver a lo básico.

Referencia Formato APA:

(2010). Back to Basics. Art AsiaPacific, 61. Retrieved from Art & Architecture Complete database.


Nuevamente, dicho artículo lo he extraído de la revista Art AsiaPacific, el cual fue publicado el 1 de Febrero de 2010y he decidido compartir este artículo considerando su gran relevancia en estrategias para seguir fomentando el arte cuando se presentan situaciones económicas dificiles. Al igualmente se consideran relevantes las cifras arrojadas, así como las opiniones de los analistas de arte.


Debido a que este artículo proviene de una revista arbitrada su contenido puede ser usado sin ningún tipo de restricción.

20/10/10

Hong Kong

Este artículo hace referencia al arte en Hong Kong con respecto a aspectos sociales, comerciales y políticos, enfocándose al impacto causado por la recesión de 2008. Además proporciona opiniones del alemás Tobias Berger, quién es director de "Artspace" (centro sin fines lucrativos dedicado a las artes visuales), con respecto a los aspectos económicos de la colección de arte y el aumento de sus precios. También podrás encontrar la información de cómo se han expandido las galerías en Hong Kong y la reciente mezcla de tecnología con arte.

Referencia Formato APA:
E.W., N. (2009). hong kong. Art AsiaPacific, 166-171. Retrieved from Art & Architecture Complete database.

He seleccionado esta información proveniente de un artículo publicado en 2009 por la revista Art AsiaPacific, la cual se enfoca a la cultura visual contemporánea y tiene sus oficinas en Nueva York. La información proporcionada nos hace voltear a ver Hong Kong como un país capaz de producir arte por encima de las crisis mundiales. Se hace un análisis del arte y sus retribuciones económicas después de que el mundo ha sufrido una recesión. Como el artículo tiene de antigüedad poco más de un año, se puede decir que la información proporcionada es actualizada y confiable, puesto que además proviene de una revista reconocida a nivel mundial.


Debido a que este artículo proviene de una revista arbitrada su contenido puede ser usado sin ningún tipo de restricción.

On the Edge: An Exploration of the Visual Arts in Remote Rural Contexts of Northern Scotland.

Y aquí otro artículo con utilidad para nuestro tema. El anterior nos habla de la India, en este artículo nos lleva a Escocia, donde varios proyectos de arte son investigados.
Nos habla de cómo el arte es creado y experimentado, mediante conversaciones que se llevan a cabo en la investigación. Este artículo es tan válido como el anterior, pues ambos pertenecen a la misma revista y tienen más o menos, la misma metodología.
Cómo la intención de este blog es hallar como el arte afecta a nuestro mundo, parece bastante oportuno mostrarles este tipo de artículos, en los cuales se habla de regiones esepecíficas y su relación con el arte.

Ojalá les sea de interés.

¡Esperamos comentarios!

Aquí está el enlace:
Douglas, Anne. (2004). On the Edge: An Exploration of the Visual Arts in Remote Rural Contexts of Northern Scotland. Advances in Art, Urban Futures. Vol. 4, p89-106, 18p. Recuperado el 20/10/10 en:

Opening Up the Symbolic Economy of Contemporary Mumbai

Y hablando de arte...
En México el arte a simple vista no representa una gran influencia económica, pero en nuestras próximas entradas, queremos averiguar que pasa alrededor del mundo con este asunto.

Encontramos un artículo en "Advances in art, Urban Futures", el cual habla del rol económico y cultural que representa el arte en  Lower Parel, Mumbai, India.
Es interesante poder apreciar lo que simboliza el arte en culturas tan distantes a la nuestra y sería aún más interesante intentar aplicar lo que se aplica ahí, en la nuestra. ¿Funcionaría?


Este artículo es parte de una revista académica, la cual se ve bastante seria y ya estar certificada, le otorga cierta validéz.
Fue encontrada en EBSCO, lo cual le da aun mas validez, pues es una fuente específica para recursos de investigación y aprendizaje, por tanto debe de tener ciertas especificaciones, como que, digámoslo de nuevo, la revista sea seria.
El nombre del autor fue encontrado también con reportajes similares, así que es una persona que sabe de lo que habla.
Fué publicado en 2004, no es ayer, pero tampoco es el siglo pasado, así que muy probablemente la situación descrita en el artículo, siga vigente en Mumbai.


Aquí el link:
Harris, Andrew. (2004). Opening Up the Symbolic Economy of Contemporary Mumbai. Advances in art, Urban Futures.  Vol. 4, p29-40, 12p. Recuperado el 20/10/10 en: